El recorte se compone de dos notas. La primera, titulada: "El manantial continúa", habla sobre el legado del compositor Berthold Heinrich Brockes y del músico Georg Philipp Telemann. La segunda nota lleva el nombre: "Cuando sopla el Mistral".
Arizaga comienza la nota sobre Berthold Heinrich Brockes quien fue considerado en su época como el “padre de la música litúrgica”. El objetivo es anticiparse a los homenajes al compositor, que se realizarían en los días posteriores a la publicación de la nota, ya que se estaban por cumplir doscientos años de su fallecimiento. El autor, entonces se desvía del compositor, para centrarse en Georg Philipp Telemann (a quien llama “un niño prodigio” porque a los 12 años registró su primera ópera). Telemann logró capturar diversos estilos, incluidos el italiano, francés y el polaco. El título hace referencia a que Telemann reapareció en la segunda mitad del siglo XX, a la consideración pública, como uno de los más grandes músicos de la historia y que “sus aguas siguen siendo un camino para acceder a la armonía”.
Cuando sopla el Mistral, se refiere a Nati Mistra, y su función en el Teatro Avenida, la que se describe como bellísima. Sería la segunda vez que vino a Buenos Aires. Arizaga asegura que en su primera visita, ella se sintió furiosa y defraudada porque la instalaron (sin prevenirla), en un teatro de revistas. Pero esta vez, ella sería la propietaria del espectáculo, llegando a variar el programa a su gusto.
El recorte es una separata de la revista Primera Plana del día 20 de junio de 1967. Está foliado por el propio autor con el número 45 en rojo.

El PDF se compone de dos notas escritas por Arizaga. La primera se llama “El más grande” y es una reseña del disco “El arte de Dietrich Fischer Dieskau” (D.G.G. 39108 SLPM Stereo).
Dietrich Fischer Dieskau fue un barítono prodigio que antes de cumplir los 30 años ya había acumulado elogios al interpretar obras de Wagner como “Tannhäuser” y “Parsifal”. Para Arizaga, Fischer Dieskau podía cantar, en idénticas condiciones de calidad, seguridad y compenetración estilística, los personajes líricos más opuestos.
El disco contiene 17 canciones de Schubert, Schumann, Brahms y Hugo Wolf, el barítono está acompañado del pianista Jorg Demus.
La segunda nota corresponde a la reseña del disco “De profundis, por Michel-Richard de Lalande” (Club Internacional de Disco 7057) y lleva el nombre de Una muerte elegante. De profundis fue escrito para cinco voces solistas, un coro dividido en cinco grupos, un conjunto instrumental de cinco cuerdas, órgano, flauta y oboe. Es una obra sacra que transita el texto del Salmo 130 y preanuncia al barroco de Bach y condensa una ponderable originalidad que lo compara con los creadores franceses como Rameau y Couperin, incluso se lo ubica en compañía de los grandes maestros del rococó francés, a los que, según Arizaga, de algún modo profetizó.
El disco es encabezado por el contratenor inglés Alfred Deller quien además dirige la orquesta de la Opera del Estado de Viena.
El recorte es una separata de la revista Primera Plana del 22 de noviembre de 1966. Está foliado por el propio autor con el número 73 en rojo.

El recorte cuenta con cuatro notas de Arizaga. La primera se encuentra en un recuadro azul y lleva como nombre “El rey Horowitz” y trata sobre Wladimir Horowitz, el pianista “más alucinante del siglo” a pesar de sufrir miedo escénico (trac). Describe al pianista como “un prodigioso volatinero de la técnica, el más comprensivo intérprete de los románticos que los haya interpretado en esta centuria, el mago capaz de extraer del piano tesoros recónditos e irreconocibles”. Una vez superado su miedo, Horowitz se presentó tres veces en el Carnegie Hall situado en Nueva York, Estados Unidos, presentado dos programas distintos. De las catorce obras presentadas en los dos programas, ocho son puestos en dos long play, dentro de un único álbum (CBS 4469/70 Monoaural; también en Stereo, 5469/70).
La segunda en la misma página que la anterior, se titula “Esa música espantosa” y es un análisis del Quinteto en Si menor, para clarinete y cuerdas de Johannes Brahms (álbum Westminster 17016 Monoaural). Se explica que Brahms tras ver el talento del clarinetista Herr Mühlfeld se inspiró en componer un Trío para clarinete, violín y piano, y el Quinteto para clarinete y cuerdas que el cronista definió como “una de las obras más encumbradas del romanticismo alemán”. Para el álbum mencionado, los interpretadores son otros. Sin embargo, según Arizaga, lograron transcribir “lo que realmente Brahms dijo en su texto”. El título de la nota hace referencia a que durante uno de los ensayos previos al estreno en Viena, Brahms se levantó y gritó “¡Que cese esa música espantosa!” a pesar de saber que no lo era.
La tercer nota es “El festival de la intrascendencia”. Es un análisis sobre la representación, luego de 82 años, de la primera ópera de Giacomo Puccini, “Le Villi” (originalmente “le Willis, que son las almas de las novias muertas de dolor al ser abandonadas por sus prometidos, en la cultura germánica). Para el autor, la obra (una vez fallecido el compositor) es de una alarmante intrascendencia. Por eso, invita a una recreación festiva, donde los elementos visuales y el juego escénico se convierten en factores predominantes.
La última nota trata sobre el disco “Las tres sonatas para violín y piano”, de Franz Schubert (Club Internacional del Disco 7100 Monoaural) y se llama el “poverello” de Viena. El álbum, cuenta con la interpretación de Peter Serkin (piano) y Alezander Schneider (violín). Para Arizaga, se trata de un verdadero acontecimiento siendo una versión fluida, armoniosa y de insólita musicalidad. Las tres sonatas corresponden al Opus 137, y según el texto analizado, no persiguen el virtuosismo, sino la vibración poética de los sonidos que fue el sustento estético de la época.
El recorte es una separata de la revista Primera Plana del 5 de diciembre de 1967. Está foliado por el propio autor con el número 49 en rojo.

El PDF contiene dos artículos escritos por Arizaga. El primero se llama: “El triunfo de la sensibilidad”. La nota trata sobre la regisseur Sarah Ventura, hija de una argentina y de un turco, quien se encuentra de paso por Buenos Aires para realizar el montaje de “La finta Giardinera” de Mozart. Sarah estudió pintura, dibujo y música, en cuanto a las artes, pero también se capacitó en psicología. Al momento de escribir la nota, se estaba desempeñando como directora escénica, además de impartir clases de “jeu de scéne lyrique” en Ginebra.
La segunda nota es la reseña del disco “La creación” de Haydn (London, SLLC 18089/90, estéreo) y se titula: “Para celebrar el génesis”. Para escribir la obra, Haydn recurrió al Génesis tomando la historia de Adán y Eva. En la versión del disco, la obra es dirigida por Karl Münchinger, e incluye al coro de la Opera del Estado y la Orquesta Filarmónica de Viena.
El recorte es una separata de la revista Primera Plana del 22 de julio de 1969. Está foliado por el propio autor con el número 66 en rojo.

El documento consiste en una hoja correspondiente al artículo: “La margarita deshojada”, el artículo habla sobre la ópera “Fausto” dirigida por Nathaniel Merrill (Regista), un coro dirigido por Tulio Boni y un elenco compuesto por Nicolai Ghiaurov, Nicolai Gedda y Heather Harper en el Teatro Colon de Buenos Aires. La ópera se estrenó nuevamente luego de 15 años y según Rodolfo Arizaga, no hacía falta. El autor destaca como hay obras que en su momento de estreno fueron importantes, pero, con los cambios de moda y sensibilidades, pasaron a ser irrelevantes. El recorte es una separata del ejemplar de la Revista Primera Plana, del día 11 de mayo de 1971. Está foliado por el propio Arizaga en rojo, con el número 36.

El PDF corresponde al texto original que aparece en el primer capítulo del libro "Esquema de la música afroargentina". La agrupación documental, Se divide en:

1. Estética africana
2. Diversidad de la música africana
3. La música vocal
4. Distintas ramas de la música africana
5. Cantos litúrgicos y cantos seculares
6. Música instrumental
7. Carácter melódico de la música
8. Melodía africana
9. “Call and response”
10. Ritmo
11. Polirritmia
12. Fraseo “off beat”
13. Improvisación
14. Timbre
15. Tempo
16. Técnica vocal
17. Expresionismo
18. (falta la página 24)
19. Participación
20. Otras características
    Se menciona la música del Africa occidental, así como la del Congo, Nigeria o Angola, destacando la diferente cadencia y entonación de los idiomas del continente, con sus diversas variaciones.

El PDF contiene tres artículos escritos por Rodolfo Arizaga. El primero (que aparece en la segunda imagen), es “Al calor de los cosacos”, donde se reseña la actuación en el Luna Park de Buenos Aires, de una compañía eslava de danzas folklóricas, el Conjunto de Danzas Populares de Ucrania”. El que sigue, es un análisis del disco “Concierto en si menor para cello y orquesta, opus 104, por Antón Dvorak (DGG 138755 SLPM Stereo)”, y lleva el nombre de “La cuerda floja”. El mismo, trata sobre la versión de la obra de Dvorak que circula en Buenos Aires con el cellista francés Pierre Fournier, con la dirección de George Szell y la filarmónica de Berlín. La última nota también es sobre un disco, “Europa Occidental entre el Barroco y el Rococó (Archiv Produktion, APM 14059)”, con el nombre de “Concierto para un inglés”. Se trata de un disco recopilatorio de obras de Henry Purcell, un inglés que se dedicó tanto a suites como a música religiosa y profana. El recorte es una separata de la revista Primera Plana. Foliado por el propio autor con el número 53 en rojo.