El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo y el sobre interno de guarda. El LP fue grabado por: Felicity Palmer, Alfreda Hodgson. David Hill (órgano). The Choir of St. John's College, Cambridge The Argo Chamber Orchestra, dirigida por George Guest
SIDE ONE
PERGOLESI: STABAT MATER

1. Stabat Mater dolorosa 4.07
2. Cujus animam gementem 244
3. O quam tristis 2.23
4. Quae morebat et dolebat 2:45
5. Quis est homo 3.02
6. Vidit suum dulcem natum 4.25
7. Fac ut portem 4.05

SIDE TWO
PERGOLESI: STABAT MATER

1. Sancta mater 5.26
2. Fac ut potem 4.05
3. Inflammatus et accensus per te 2.34
4. Quando corpus morietur/Amen 4.10
   PERGOLESI (RICCIOTTI): CONCERTINO II
5. (i) Largo Da Capella non Presto 5.13
6. (ii) Largo Affettuoso 4.21
7. (ii) Allegro 2.33
   Se reproduce parte de la traducción del texto original de la contratapa, escrito por Peter Holman:
   El Stabat Mater Dolorosa es un poema medieval que describe la angustia de la Virgen María durante la Crucifixión. Parece datar de finales del siglo XVIII y tradicionalmente se atribuye a Jacopone de Todi, un hermano laico franciscano que murió en 1806. Aunque fue popular durante siglos como poema devocional, no fue hasta 1727 que se publicó oficialmente, aceptado en el Misal Romano y el Breviario, y por tanto en la liturgia. Aunque existen ambientaciones musicales del Renacimiento (las de Josquin y Palestrina son ejemplos famosos), el poema no atrajo atención hasta el siglo XVIII, cuando fue ambientado, entre otros por Alessandro y Domenico Scarlatti, d'Astorga, Vivaldi, Stef Fani, Bononcini Clari y Haydn, así como Pergolesi. La razón de esta repentina popularidad probablemente se pueda encontrar en la naturaleza emocional y dramática del poema, más que en su aceptación como parte de la liturgia, como, hasta donde sabemos, la mayoría, si no todas, las composiciones de los compositores enumerados anteriormente fueron diseñados para devociones no litúrgicas o presentaciones en conciertos. Ciertamente, la escenografía de Alessandro Scarlatti, que parece ser la más antigua de este grupo, fue encargada por los Cavalieri della Vergine dei dolori, una hermandad laica napolitana, para sus devociones cuaresmales. La composición de Scarlatti, compuesta para voces de soprano y contralto (probablemente cantada por castrati), dos violines y continuo, fue compuesta probablemente en la segunda década del siglo XVIII y fue utilizada por la hermandad hasta 1785, cuando se encargó una nueva composición a Pergolesi.

El PDF muestra las imágenes de tapa y contratapa del sobre de guarda del disco de vinilo.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo.

El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa del disco de vinilo interno.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo. El mismo está dirigido por Miklós Forrai.
Interpretado en latín y alemán por:
Éva Andor (soprano) Katalin Szőkefalvi-Nagy (soprano)
Zsuzsa Barlay, Lívia Budai (alto / contraltos), György Korondy (tenor ), józsef gregor (bajo).
El texto con la información de la contratapa aparece en francés, inglés y alemán: Choeurs de Budapest/Budapest Chorus / Budapester Chor.
Maltre de choeurs / Chorus Master / Einstudierung László Kerecsényi
Orchestre Symphonique d'État Hongrois / Hungarian State Orchestra / Ungarische Nationalphilharmonie
A

1. REQUIEM OP. 148
2. Requiem
   II. Te decet hymnus
   III. Dies irae
   IV. Liber scriptus
   V. Qui Mariam
   B
   VI. Domine Jesu
   VII. Hostias
   VIII. Sanctus
   IX. Benedictus. Agnus Dei
3. REQUIEM POUR MIGNON OP.98b
   /en Wilheim Meister de Goethe/
   Se brinda la traducción de la reseña de Előd Juhász:
   El interés de Robert Schumann (1810-1856) se volvió hacia la música sacra sólo hacia el final de su breve vida. La Missa Sacra Op. 147 y el Réquiem Op. 148 se completaron en 1852. Existe un acuerdo general entre los estudiosos de Schumann en que las obras no tenían objetivos litúrgicos y no son más religiosas que las otras obras del compositor, aunque en cada una de ellas hay un diálogo con vida, o al menos su objetivo romántico es discernible. Según los rumores, el compositor solía decir: "ein Requiem komponiert man für sich selbst" (uno compone un réquiem para sí mismo). La primera forma del Réquiem Op. 148 fue escrita en abril de 1852 y fue orquestada algo más tarde, entre el 16 y el 23 de mayo. La composición de nueve movimientos se abre con música suave, tranquila y contenida. El canto del coro está entrelazado con ricas y románticas armonías (Réquiem). En las palabras "et lux perpetua" se crea un efecto tenso mediante una intensificación menor, una apertura, seguida por el regreso de la voz íntima, lírica, casi cantada, del coro. Después de una llamada decidida de los trombones, el coro introduce material musical más vivo de manera polifónica (Te decet hymnus). El "Kyrie eleison" se canta con voces solistas y luego se escuchan juntas la música del Te decet y el "Kyrie": esta intensificación emocional y dinámica conduce a la conclusión.
   El sombrío y oscuro Dies irae, rico en dinámicas de contrastes repentinos, se abre desde una profundidad con entradas corales graduales y es seguido por el cuarto movimiento que comienza con Liber scriptus. Aquí la sección más tranquila "Quid sum miser" es entonada por una voz solista, luego sigue alternativamente la exclamación casi dramática del coro y los solistas: pero el redondeo se convierte en su contraste exacto: la ondulación íntimamente lírica del "Juste judex".

Después del canto del solo "Qui Mariam absolvisti", sigue una sección coral más definida "Confutatis maledictis" y el final Lacrimosa continúa nuevamente con: Domine Jesu luego viene la "Libera animas" de textura polifónica. , al que seguirá el solo de soprano "Hostias". Después de una apertura suave, parecida a un salmo, el movimiento Sanctus se hincha con un dinamismo creciente. Al escenario musical de contrapunto de la "gloria tua" le sigue un festivo y chispeante "Hosanna". Finalmente, el Benedictus de una calma celestial se abre con un cuarteto solista que muestra un estrecho parentesco temático-conceptual con el Lied final sobre la evanescencia del ciclo Frauenliebe und Leben. Como si evocara la última batalla, el coro canta el Agnus Dei, y la composición inmerecidamente ignorada, de concepción sincera y genuina disposición schumanniana, se cierra con el tono suave y apaciguado de la "Dona Requiem". El Réquiem por Mignon. Op. 98b, también fue escrita para voces solistas, coro y orquesta, simultáneamente con el Lieder und Gesänge aus Wilhelm Meister, Op. 98a, y la composición de Mignon del Jugendalbum. Mignon sirvió de inspiración para muchos antes y después de Schumann (Schubert, Beethoven, Liszt, Loewe, etc.), pero es quizás en esta obra donde la calidad simbólica, el carácter poético, elegíaco y místico se vuelven más distintos. Con su infinita simplicidad, lirismo romántico y humor apasionante, el breve Réquiem destaca entre las obras corales de Schumann.

El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa de un disco de larga duración interpretado por:
TOMAS TICHAUER, viola
LUIS ROSSI, clarinete
MONICA COSACHOV, piano

Lado 1
FRANZ SCHUBERT:
Sonata en la menor "Arpeggione", para viola y piano
Allegro moderato-Adagio-Allegreto
Lado 2
ROBERT SCHUMANN:
"Cuentos de Hadas"
Op. 132,
para clarinete, viola y piano
I- Lebhaft, nicht zu schnell II- Lebhaft und sehr markiert III- Ruhiges Tempo, mit zartem Ausdruck
IV- Lebhaft, sehr markiert
RODOLFO ARIZAGA:
"Ciaccona" per viola (1969) dedicada a Tomás Tichauer
Variazioni-Cantilena-Fuga

El PDF presenta la imagen de la tapa, contratapa y sobre del disco de vinilo con el dueto vocal. El título aparece en varios idiomas (DUETTE FÜR ZWEI SINGSTIMMEN = VOCAL DUETS DUOS VOCAUX) al igual que la información de la contratapa. El mismo está interpretado por Julia Varady (soprano), Peter Schreier (tenor), Dietrich Fischer-Dieskau (barítono) y Christoph Eschenbach (piano).
Seite - Side - Face 1:

1. Ländliches Lied op. 29 Nr. 1: Und wenn die Primel schneeweiß blickt am Bach [2/3] 1'57
2. Liebesgarten op. 34 Nr. 1: Die Liebe ist ein Rosenstrauche [1/3] 3'31
3. Liebhabers Ständchen op. 34 Nr. 2: Wachst du noch, Liebchen? [1/3] 2'08
4. Unterm Fenster op. 34 Nr. 3: Wer ist vor meiner Kammertür? [1/3] 1'30
5. Familien-Gemälde op. 34 Nr. 4: Großvater und Großmutter, die saßen im Gartenhag [1/3] 3'38
6. Schön ist das Fest des Lenzes op. 37 Nr. 7: Schön ist das Fest des Lenzes [1/3] 0'55
7. So wahr die Sonne scheinet op. 37 Nr. 12: So wahr die Sonne scheinet [1/3] 1'47
8. Wenn ich ein Vöglein wär op. 43 Nr. 1: Wenn ich ein Vöglein wär [2/3] 1'28
9. Herbstlied op. 43 Nr. 2: Das Laub fällt von den Bäumen [2/3] 1'56
10. Schön Blümelein op. 43 Nr. 3: Ich bin hinausgegangen [2/3] 1'54
11. Intermezzo op. 74 Nr. 2: Und schläfst du, mein Mädchen [2/3] 1'05
12. Liebesgram op. 74 Nr. 3: Dereinst, dereinst, o Gedanke mein [2/3] 2'08
13. In der Nacht op. 74 Nr. 4: Alle gingen, Herz, zur Ruh [1/3] 4'55
14. Tanzlied op. 78 Nr. 1: Eia, wie flattert der Kranz [1/3] 2'25
    Seite Side Face 2:
15. Er und sie op. 78 Nr. 2: Seh' ich in das stille Tal [1/3] 3'05
16. Ich denke dein op. 78 Nr. 3: Ich denke dein, wenn mir der Sonne Schimmer [1/3] 2'29
17. Wiegenlied am Lager eines kranken Kindes op. 78 Nr. 4: Schlaf', Kindlein, schlaf' [1/3] 2'10
18. Mailied op. 79 Nr. 10: Komm, lieber Mai [2/3] 1'02
19. Das Glück op. 79 Nr. 16: Vöglein vom Zweig (2/3] 0'48
20. Frühlingslied op. 79 Nr. 19: Schneeglöckchen klingen wieder [2/3] 2'36
21. Die Schwalben op. 79 Nr. 21: Es fliegen zwei Schwalben [2/3] 0'56
22. Ich bin dein Baum op. 101 Nr. 3: Ich bin dein Baum, o Gärtner [1/3] 3'34
23. Die tausend Grüße, die wir dir senden op. 101 Nr. 7: Die tausend Grüße, die wir dir senden [1/3] 1'37
24. Bedeckt mich mit Blumen op. 138 Nr. 4: Bedeckt mich mit Blumen [2/3] 2'45
25. Blaue Augen hat das Mädchen op. 138 Nr. 9: Blaue Augen hat das Mädchen [2/3] 2'29
26. Sommerruh o.op.: Sommerruh, wie schön bist du! [2/3] 2:36
27. Die Lotosblume op. 33: Die Lotosblume ängstigt sich [2/3] 1'45

English translation of the duets (Side 1: 2-9, 13, 14 Side 2: 1, 2, 3, 8, 9, 10, 12, 13) by Martin Cooper 1980 Traduction française des duos de Jacques Fournier.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del disco de vinilo: "Octeto en mi bemol mayor Op. 20" y el sobre interno de guarda. El LP consta de una cara con la obra de Felix Mendelssohn y otra con música de Ludwig Spohr.
El lado 1, fue grabado por: Emanuel Hurwitz, Kenneth Sillito, Ivor McMahon, Iona Brown (violines), Cecil Aronowitz, Kenneth Essex (violas) y Terence Weil, Keith Harvey (cellos). El lado 2 ("1st Quartet") fue grabado por Emanuel Hurwitz, Ivor McMahon (violines), Cecil Aronowitz (viola) y Terence Weil (cello).

Side 1
Band 1: 1st Movement: Allegro moderato, ma con fuoco
Band 2: 2nd Movement: Andante
Band 3: 3rd Movement: Scherzo (Allegro leggierissimo)
Side 2
Band 1: 4th Movement: Presto
"2nd Quartet": Iona Brown, Kenneth Sillito (violines), Kenneth Essex (viola) y
Keith Harvey (cello).

Se comparte la traducción del texto de W. A. CHISLETT, de 1969 (que aparece en la contatapa del ejemplar:
Hace más de medio siglo, el difunto Thomas F. Dunhill escribió: "Incluso los lugares comunes deben repetirse a veces, para que no pierdan su reputación como lugares comunes y eventualmente sean considerados con desconfianza, como piezas obvias de sabiduría, no estancadas por la edad y asaltadas por la vulgaridad". ¡El uso invariablemente lo es!" Esta es mi excusa para repetir una vez más la máxima de John Horton en relación con el Octeto de Mendelssohn, que ha sido citada, mal citada y parafraseada innumerables veces: "Ni siquiera Mozart o Schubert lograron a la edad de 16 años algo tan sorprendente como esta importante obra de música de cámara."
No es un ejemplo aislado de precocidad juvenil aunque probablemente sea el mejor Mendelssohn. Ya había escrito el conocido Rondo caprichoso para piano, tres cuartetos para piano, un sexteto para piano y cuerdas, la Sinfonía en do menor para orquesta completa y dedicada a la Sociedad Filarmónica de Londres, y doce sinfonías para cuerdas. Estas últimas fueron escritas para su uso en el círculo familiar y no se publicaron hasta después de la muerte del compositor, pero en los últimos años han llegado a ser reconocidos como música original para disfrutar por derecho propio. También había completado una ópera que se representó dos años después, cuando tenía 18 años. Tal conjunto sugiere que Mendelssohn avanzó directamente desde la niñez hasta casi la madurez, omitiendo prácticamente los años de la adolescencia.
Aunque el octeto en mi bemol se completó en 1825, las partes no se publicaron hasta 1832 y la partitura completa no se imprimió hasta 1848. Los octetos para instrumentos de viento habían sido populares durante mucho tiempo; Haydn, por ejemplo, había escrito varios y, como veremos más adelante, Spohr había escrito varios cuartetos de doble cuerda, que no son exactamente lo mismo. El Octeto de Mendelssohn fue el primero de su tipo. No parece conocerse la fecha exacta de la composición, pero a principios de noviembre de 1825 Carl Friedrich Zelter escribió a Goethe que su alumno "acababa de completar un octeto para ocho instrumentos obbligato, que está lleno de vida", por lo que podemos suponer que se completó durante el otoño de ese año. Estaba dedicado a Eduard Rietz, un joven violinista berlinés que murió a la edad de 29 años y que nunca adquirió reputación internacional, pero a quien Mendelssohn consideraba el intérprete supremo de su música de cuerda.
La primera vez que Londres supo del Octeto fue cuando, por alguna razón inexplicable, Mendelssohn sustituyó una versión orquestal de su scherzo por el minueto y el trío originales de la Sinfonía en do menor ya mencionados, para una actuación que dirigió en las Salas Argyll en mayo de 1829. El propio Mendelssohn dejó un relato de cuatro representaciones del Octeto completo, públicas y privadas, realizadas en París en 1832, en un período de diez días. El último de ellos fue, curiosamente, "en una iglesia, en una misa fúnebre en conmemoración de Beethoven", fallecido cinco años antes. El manuscrito de Mendelssohn ordena: 'El Octeto debe ser tocado por todos los instrumentos en estilo orquestal sinfónico. Los pianos y los fuertes deben observarse estrictamente y enfatizarse más de lo habitual en piezas de este tipo." Los primeros compases no dejan dudas sobre la perspectiva orquestal del compositor, o incluso, como ha señalado John Horton, sobre la gran admiración de Mendelssohn por la brillantez del dedicatario, Eduard Rietz.
El primer movimiento, Allegro moderato, ma con fuoco, destaca por la múltiple variedad de agrupaciones instrumentales. El Andante que sigue está ricamente coloreado y explota relaciones clave inesperadas pero calculadas con sensibilidad. Luego sigue el scherzo, dirigido a ser tocado sempre pp e staccato, un movimiento que estableció un estándar de delicadeza fantasmal que nunca ha sido igualado, excepto por el propio Mendelssohn.
Fanny Mendelssohn dijo que al escribir este movimiento su hermano tenía en mente las líneas de la sección Walpurgisnacht del "Fausto" de Goethe:
"Nube flotante y niebla que se arrastra,
Sobre nosotros flotando brillantemente:
Los juncos tiemblan, los vientos agitan el freno:
¡Pronto se acabará toda su pompa!"
Fanny añadió que un palo de escoba es el único medio por el cual un oyente puede realmente seguir el ritmo de la música. El compositor, naturalmente, se mostró reacio a abandonar el fantasmal tema principal del scherzo. Vuelve a aparecer hacia el final del Presto final, un movimiento que bien puede recordar a algún Handel por aquí y a Beethoven por allá, pero que, no obstante, sigue siendo sorprendentemente personal y distintivo, especialmente para un joven de 16 años.

Spohr nació 25 años antes que Mendelssohn, pero le sobrevivió 12 años, y aunque la música de Spohr es prácticamente desconocida hoy en día, hay muchas pruebas de que Mendelssohn la tenía en alta estima. Nacido de padres músicos en Brunswick, el 5 de abril de 1784. Louis (o Ludwig) Spohr sabía cantar a dúo con su madre a la edad de 4 años, tocó la parte solista en un concierto para violín de su propia composición en un concierto escolar con tal éxito que fue invitado a repetirlo con la orquesta del Duque de Brunswick, y sólo tenía 14 años cuando emprendió su primera, y fallida, gira como virtuoso del violín. El duque de Brunswick asumió la responsabilidad de la posterior educación musical de Spohr. Se convirtió en uno de los grandes virtuosos de su época y también alcanzó fama como director de ópera. A pesar de estas actividades, fue un voluminoso compositor de música en muchas formas, con 11 óperas y 10 sinfonías. En su haber hay 11 conciertos para violín, varios oratorios y una gran cantidad de música de cámara. Su música continuó sonándo regularmente durante muchos años después de su muerte en 1859, pero cayó en desgracia en el siglo XX. Aun así, Spohr bien podría ser uno de los siguientes en la lista de compositores que deben ser reevaluados y resucitados.
Por encima de todo, Spohr debe ser recordado por su mente inquisitiva y sus experimentos en nuevas combinaciones de instrumentos y nuevos estilos de uso. Spohr casi podría haber tenido en mente la grabación en estéreo cuando escribió sus cuartetos dobles. El compositor ha dejado su propio relato de la composición del Doble Cuarteto n.° 1 en re menor (1823) en su Autobiografía, un libro muy interesante, pero lamentablemente ahora escaso. Tras darle el crédito de la idea a Andrew Romberg, uno de sus compañeros de cuarteto. Spohr refiere: Me imaginé cómo él también lo había comprendido y cómo dos grupos de cuarteto, sentados uno cerca del otro, debían tocar una sola pieza musical y reservar la interpretación a ocho voces para las partes principales de la misma composición. De acuerdo con esta idea, también escribí mi primer cuarteto doble, comencé el tema del primer allegro con ambos cuartetos al unísono y forte, para impresionar bien a los oyentes, y luego lo llevé de forma concertada a través de ambos cuartetos por turno... Luego, con la ayuda de mis mejores alumnos y de un segundo violonchelista de la orquesta, entregué el nuevo doble cuarteto a nuestro círculo para que lo escucharan. Me alegró mucho comprobar que su efecto era mucho mayor que el de los cuartetos y quintetos simples, y como este tipo de música de cámara provocaba también una gran sensación en el extranjero, como lo demostraba su frecuente interpretación. Esperaba nada menos que los compositores de la época pronto lo imitarían y lo generalizarían. Pero esto no fue así, como ocurrió con otras extensiones de las formas del arte que he probado en años posteriores... por eso mis cuatro cuartetos dobles siguen siendo los únicos de su tipo. Un octeto para instrumentos de cuerda de Mendelssohn-Bartholdy pertenece a un tipo de arte completamente diferente, en el que los dos cuartetos no concertan ni se intercambian entre sí en doble coro, sino que los ocho instrumentos trabajan juntos.
Ésta no es música que requiera un análisis detallado. No hace falta decir más que el segundo movimiento. Vivace, es un scherzo alegre en compás de 6/4, el Larghetto es un romance algo parecido a un aria operística y el molto final de Allegretto es a la vez animado y sonoro. Estructuralmente es convencional, pero el compositor mantiene algo del estilo del antiguo concierto grosso, con un cuarteto de solistas y el segundo con un rol más ripieno.