El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa de un disco de larga duración, registrado en 1976 por Qualiton (QF-3013), Serie del conocimiento.

Se transcriben los títulos (no se encuentra el folleto adjunto que se menciona):
1
Música de los mbuti
1/ Canción para la caza del elefante
2/ Canción para llevar las hojas
3/ Agba'a
4/ Canción para la caza
5/ Canción para recoger la miel
6/ Clementina (pigmoides batwa)
2
Música de los lese
1/ Tema de arpa
2/ Canción de hombres y mujeres
3/ Canción de celebración matrimonial
Música de los bera
4/ Canción con acompañamiento de nzenze
5/ Canción-danza de las mujeres
6/ Canción para saltar
7/ Canción fúnebre
8/ Canción masculina de elogio al jefe
Música de los nyari
9/ Canción con acompañamiento de arpa
10/Canción con acompañamiento de sansa

El documento consta de las fojas correspondientes a los artículos de Rodolfo Arizaga, para la Revista Primera Plana. El recorte es una separata del ejemplar del día 2 de noviembre de 1965. El ejemplar está foliado por el propio autor en tinta roja con el número 4 (en la hoja final, destacándola por sobre el resto), de lo que parece ser la serie de sus colaboraciones en la publicación mencionada. Se trata de: “Un día provechoso”: Images y Le Martyre de Saint Sebastien, por Claude Debussy (Philips – 89028 AY Stéreo) y “Lulú: un súcubo demasiado exigente”. Este último hace referencia a “si Alban Berg la hubiese visto”, ya que existe otro registro sobre el tema. Tiene una cruz que destaca al que se tomó otros títulos: “El lenguaje olvidado”, en la página siguiente (Disco de “Folklore de Estados Unidos (Folkways FA 2390) y Cantares de Israel, por Dina Rot (Music Hall 60123).

El documento consta de las fojas correspondientes a los artículos escritos por Rodolfo Arizaga, para la Revista Primera Plana. El recorte es una separata del ejemplar del día 8 de abril de 1965. Está foliado por el propio autor en tinta roja con el número 5, de lo que parece ser la serie de sus colaboraciones en la publicación mencionada. La paginación del pdf se ve alterada, según la forma en que el autor organizó este grupo documental.
Tiene marcas de cruz que destacan otros textos, por lo que podrían también ser de su autoría: “Dos salve al rey” Dos Cuartetos de Cuerdas del opus 76, por Franz-Joseph Haydn (CID-59) y “El quinteto en la cáscara de nuez.

El recorte corresponde a cuatro notas escritas por Arizaga, las tres primeras son referentes a discos, mientras la última es sobre música: "Nacimiento del clarinete", "Heterodoxia", "Ese verdor perdurará", y "El sepia no le sienta a Violeta".
El nacimiento del clarinete: es una reseña sobre el disco de música de cámara de Wolfgang Amadeus Mozart y Johannes Brahms, el cual contiene dos obras de Mozart (el trío en mi bemol mayor para clarinete, viola y piano) y de Brahms (el trío en la menor para clarinete cello y piano) y que Arizaga define como una impecable demostración de artesanía.
Heterodoxia: el artículo trata sobre el longplay CBS 5094 Stereo de Charles Munch y la orquesta de Filadelfia, donde consiguen recrear la obra Melisande de Maeterlinck con música de Gabriel Fauré, e incluye La Damnation de Faust, de Berlioz, y la versión orquestal de los Valses nobles y sentimentales de Maurice Ravel, junto con una obra de Schubert.
Ese verdor perdurará: es sobre el disco de concierto M-1025, en él la Sinfónica del Aire, una orquesta independiente, con un sitial vacío en el podio del director, interpretó la obertura de Los Maestros Cantores de Wagner, la del Carnaval Romano de Berlioz, y una suite del ballet Cascanueces de Tchaikowsky.
El sepia no le sienta a Violeta: es un artículo dividido en tres partes. La primera, habla sobre un accidente que tuvo la soprano Anna Moffo en el Teatro Colón cuando ensayaba La Traviata, en la cual 600 gramos de gelinita (un material que se usa en explosivos) logró desintegrar cincuenta ventanas en el entre piso, haciendo llover cristal pulverizado. La segunda parte, bajo el título: Ciento sesenta y cuatro fiestas, habla de la noche inaugural de la obra y explica que resultó en una decepción. El subtitulo hace referencia a que cuando el telón se descorrió revelaba un cuadro de época, entonado en la gama de sepia, y Violeta es el nombre del personaje principal. Arizaga asegura que la escenografía y el vestuario es menos imaginativa de lo que se preveía. La tercera parte fue nombrada La aureola, en referencia por un lado: a la “aureola de exacta elegancia” que cubría a la soprano Anna Moffo por su mera presencia, y que responde a una imagen romántica del personaje principal. Por el otro lado, menciona que Madanes (régisseur) podría estar satirizando los grandes gestos de la ópera tradicional. El recorte es una separata de la revista Primera Plana del día 11 de mayo de 1965 y corresponde a las páginas 72 y 73. Está foliado por el propio autor con el número 42 en rojo en la página 72.

El PDF muestra las imágenes de la tapa y contratapa de un disco de larga duración interpretado por el pianista Jorge Zulueta.
Los temas y los compositores son:
LADO A:
JULIAN AGUIRRE
Huella Op. 49
Aires Nacionales Argentinos
Tristes No 3 y 4
Gato
LOPEZ BUCHARDO
Nocturno (1934)
Bailecito (1924)
Campera (al estilo popular) (1920)
LADO B:
JOSE MARIA CASTRO
Sonata (1931)
1 Preludio
2 Arietta con Variazioni
3 Finale
JUAN CARLOS PAZ
3 Sonatina Op. 25 (1933)
1 Allegro moderato
2 Andante sin expresión
3 Allegro moderato
RODOLFO ARIZAGA
Variaciones Breves Op. 25 (1960)
sobre un tema de Paul Hindemith

El texto que brinda el ejemplar, se transcrbe: “JACOBO ROMANO Al iniciarse el año 1910, el incipiente movimiento artístico de Buenos Aires comenzaba a ser perturbado por una acción de fuerzas en constante reelaboración, cuyos contrastes provocaran la gestación de dos corrientes estéticas significativas: nacionalista y universalista. La primera, consecuente con las estructuras que unificaban los elementos folklóricos basados en los tradi- cionales procedimientos de composición europeos, se caracterizaba por el empleo de ritmos y melodías populares. Pulsados por estos acontecimientos se desarrollaron los dos creadores de mayor trascendencia, dentro de esta tendencia musical: Julián Aguirre y Carlos López Buchardo.
El esporádico pero decisivo paso por el Conservatorio Real de Madrid constituyó para Julián Aguirre su primer contacto con el llamado arte nacionalista, propagado por Isaac Albéniz y Felipe Pedrell. Alli tiene oportunidad de absorber un material manifestado en un momento esencialmente crítico, dentro de la revolución sonora de Occidente.
Estudia armonía y composición. Un tipo de armonía y composición muy accesible y realista. Alejado de las abstracciones wagnerianas que comenzaban a llegar a España, asimila un repertorio eminentemente ortodoxo que su maestro Emilio Arrieta, el conocido autor de "Marina", le otorgara con sabiduría e independencia.
Así regresa a su patria, maduro de tradición multisecular, generado por una depurada técnica y purificado de teorías exóticas e internacionalistas. Buenos Aires vive la aparición de dos figuras literarias: José Hernández y Estanislao del Campo, preocupados por el florecimiento de la poesía lírica y épica argentina. Inauguraban el período, revitalizando una sensibilidad cuyas cadencias respiraban los sentimentales ambientes porteños. Delineando ya desde entonces, un sentir que llegaríamos a calificar como "criollo".
Julián Aguirre ingresa en este panorama aportando su refinado estilo. Gestando pequeños trozos musicales sin arrebatos ni efectismos. Podemos percibir en sus trabajos, muy especialmente, esa combinación de un orden formal absolutamente clásico y el intrinseco romanticismo bonaerense. Su producción, desde un punto de vista formal y técnico, no sufre ninguna metamorfosis. Ninguna transformación estética o estilística. No ofrece períodos de ascensión. Es un arte estático en su sentir y en su técnica.
La obra para piano de Julián Aguirre no es numerosa. La misma es digna representante de un arte que podríamos calificar
como exponente de esa poemática ya mencionada denominada un poco subjetivamente "criolla". Un arte independiente de toda presión ideológica. Lo apreciamos en las composiciones que integran esta placa: Huella, Triste No 3 y 4 y Gato, escritas a partir de 1900 y editadas por el autor sin un orden cronológico.
Carlos López Buchardo por su parte, fué un creador que se sirvió más objetivamente del caudal popular. Lo concretó al gestar una serie de composiciones basadas en un proceso riguroso y consecuente del material folklórico. Quizás resulte obvio aclarar que la tendencia de que hablamos guarda relación con la elaborada proximidad de los elementos que el folklore brinda al compositor. Y el camino que López Buchardo intenta no cuestionaba la imitación o copia directa de los modelos populares, sino la minuciosa exploración de su esencia. El mismo López Buchardo lo confirma cuando dice: "He buscado mi inspiración en el folklore, sin ser propiamente un folklorista. La mayoría, cuando se sirve de los temas populares, los traslada textualmente, armonizándolos o combinándolos. Yo no he querido hacer eso. En mis canciones populares, he buscado en el folklore el sentimiento, el carácter, la esencia motívica nuestra, para crear luego melodías personales, desarrolladas también de acuerdo a mi estilo".
En 1934, Carlos López Buchardo escribe sus "Comentarios Musicales" para la versión homónima de Romeo y Julieta, de William Shakespeare. Del primero de los cuatro números que la integran, titulado Nocturno, escritos para conjunto instrumental, se ha realizado la presente transcripción para piano. También la última de las "Seis Canciones Argentinas al estilo popular", titulada Jujeña, ha servido de material original de su conocido "Bailecito", pieza para piano cuyo comienzo en base al ritmo mencionado, el autor le acopla un elemento melódico y una estructura armónica elegante y fluida, dentro de una gran economía de medios.
El poema sinfónico "Escenas Argentinas" fué estrenado el 18 de septiembre de 1920 en el Teatro Coliseo, con la dirección de Félix Weingartner. El primero de los tres números que las componen titulado "Campera", se halla estructurado en base a un ritmo cadencioso unido a un aire de "Triste", al estilo popular pampeano. Según el autor: "una poética evocación de las alegrías de las fiestas camperas y de los dolores pasados, que dispersó a los habitantes de un rancho transformado en "tapera" por la desolación y el hado adverso".
La segunda de las corrientes mencionadas, universalista, respondía a orientaciones sugeridas por los imperativos extra nacionales de la época. Tal como fueron aportados por el nuevo siglo y escapando a las limitaciones geográficas. Dentro de esta disposición, José María Castro cultivó su lenguaje sonoro muy auténticamente, aunque alejado de cánones vanguardistas. Dicha expresión lo encaminó hacia una tendencia armónica condensada, casi rigurosa y a participar de una actitud neoclásica, en la cual se agrupaba en ese entonces como integrante del Grupo Renovación, el compositor Juan Carlos Paz.
Su material creativo se servía además, de ciertas estructuras politonales que guardaban más relación con la línea propagada en ese período por Igor Strawinsky, que con la de algunos componentes del Grupo de "Los Seis".
La Sonata para Piano es un fiel exponente de este período, cuya gravitación dentro de la producción musical de la década de 1930, constituye un aporte valioso y objetivo. De sus tres movimientos se desprenden ideas musicales transparentes, cuyas características están dadas por una ininterrumpida línea de figuraciones, de igual valor de duración y por una estática indicación de los movimientos, que se mantienen sin modificaciones desde el comienzo hasta el final. Esta observación agógica se ve com- plementada ex profeso por una dinámica despojada de color, que otorga a la obra su particular sentido de expresión.
En la misma década, Juan Carlos Paz escribe sus 3 Sonatinas. La primera para flauta y clarinete (1931). La segunda para clarinete y piano (1932) y la registrada en esta grabación, originalmente escrita para oboe y fagot (1933), transcripta con posterioridad en esta versión para piano.
En oposición al estatismo dinámico de la Sonata de José Maria Castro, Paz subraya no sólo cada frase, tema o inciso sino cada nota con una dinámica y una acentuación-articulación rigurosa-

mente detallada. Esta sucesión de ideas musicales se ve delimitada por continuos cambios de compases que otorgan a la pieza una estructura sonora angulosa.
Es perceptible a través del particular tratamiento del piano, el pensamiento original del autor al escribirla para los instrumentos mencionados. Lo apreciamos en la ausencia total de una escritura vertical, ningún acorde en toda la obra, y en un rasgo melódico que fluctúa entre dos líneas paralelas.
Resulta importante destacar la atracción ejercida por el neo- clasicismo sobre compositores pertenecientes a distintos períodos, y las posibilidades que la misma canalizara en sus respectivas evoluciones.
Treinta años más tarde, Rodolfo Arizaga aporta, a su variada producción que incluye: trabajos sinfónicos, música de cámara, una ópera, música instrumental, vocal y para películas, sus variaciones Op. 25. El tema fué extraído de la Tercera sonata para piano de Paul Hindemith.
La idea original es conducida a través de 13 variaciones de distintos ámbitos sonoros: expresivo, misterioso, simple, alegre, dados por un brillante juego armónico politonal.
Las Variaciones 7, 8 y 9 presentan tres interesantes tratamientos contrapuntísticos: cánon a la octava, cánon a la décima y un "cancrizans" (sistema espejo) cuyas octavas primera y última convergen paulatinamente hasta la mitad del compás 9.
La escritura de esta composición revela el eficaz empleo de los recursos del instrumento, que en ningún momento sobrepasa una línea de mesura, apuntalada en un agudo pensamiento musical.
JORGE ZULUETA
Ganador por unanimidad del premio Kranichstainer en el Concurso Internacional de Música Moderna de la ciudad de Darmstadt (Alemania) en 1956, Jorge Zulueta ha desarrollado desde entonces una labor de sorprendentes méritos. Intérprete destacado de la música nueva, ha difundido las obras más representativas de nuestra época en los principales centros artísticos europeos y americanos.
Participó en los Festivales Internacionales de Ma- drid, Colonia, Frankfurt, Darmstadt, Berlín y Washington, ofreciendo los estrenos de los conciertos para piano y orquesta de Dietrich Schoenbach, André Casanova, Juan Carlos Paz, Mauricio Kagel, Hans Werner Henze.
En 1961 invitado por el Servicio Cultural de los Estados Unidos, ofreció una tournée en Alemania, dando a conocer numerosas obras de compositores argentinos y norteamericanos.
Jorge Zulueta ha grabado varios discos dedicados a autores contemporáneos, entre los que merecen destacarse la obra completa para piano de Arnold Schoenberg y de Claude Debussy (con los auspicios del Instituto Di Tella). También composiciones de Alberto Ginastera, Astor Piazzolla, Mauricio Kagel, Juan Carlos. Paz, Rodolfo Arizaga, Francisco Kroepfl, Mariano Etkin, Juan José Castro.
Anualmente realiza giras por Europa y América. Numerosas presentaciones en Argentina y el extranjero han sido organizadas por el Servicio Cultural de los Estados Unidos y de Alemania. ”

En esta Serie documental, se agrupan los ejemplares de discos de vinilo que fueran donados por Daniel Eduardo Nápoli, con interpretaciones de la obra musical de autores argentinos. Varios de ellos, son productores del acervo del Archivo de Biblioteca UNTREF, como Rodolfo Arizaga, Isabel Aretz o Alicia Terzián.
Se han creado Subseries con los ejemplares de cada autor.
En uno de los registros (000272), se menciona que buena parte de las obras argentinas reunidas en este espacio revelan un parentesco o "aire de familia". La formación francesa de tantos de estos creadores y el ejemplo del maestro Alberto Williams, propulsor de nuestro nacionalismo musical, generan un clima estético que respiran casi todos ellos en la época de concepción de sus obras.

El PDF presenta la imagen de la tapa y contratapa del envase de guarda del disco en el que aparecen los siguientes intérpretes y obras:
Roberto García Morillo: CUARTETO No 1 PARA ARCOS, OP. 19
Alicia Terzian: TRES PIEZAS, OP. 5
Luis Zubillaga: DIRECCIONALES

LADO I
ROBERTO GARCIA MORILLO
CUARTETO No 1 PARA ARCOS, Op. 19
a) Moderato, animato;
b) Scherzo y Trio;
c) Siciliana (Lento);
d) Ricercare-Coral (Allegro Moderato)
LADO II
ALICIA TERZIAN
TRES PIEZAS PARA CUARTETO DE ARCOS (SOBRE TEMAS FOLKLORICOS ARMENIOS), Op. 5
a) Canción del Atardecer (Andante);
b) Pastoral con Variaciones;
c) Danza Rústica (Allegro Energico)
LUIS ZUBILLAGA
d) DIRECCIONALES PARA CUARTETO DE ARCOS CUARTETO CONTEMPORANEO
(Roberto Sawiki y Bernardo Stalman: violines; Simon Zlotnik: viola y Liborio Rosa: cello. Director: Enrique Belloc).

En el reverso del ejemplar, se lee la información escrita por el propio Enrique Belloc.
ROBERTO GARCIA MORILLO:
Este prestigioso compositor, ampliamente conocido en nuestro país y en el exterior, nació en Buenos Aires. Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música, donde fue alumno de Floro Ugarte, José Gil, Constantino Gaito y José Andre, En 1952 fue becado por la Asociación Dante Alighieri para realizar en Italia estudios sobre el teatro lírico, e invitado por el gobierno francés para estudiar la organización musical de dicho país. Ha concurrido, invitado, al Segundo Festival de Música Interamericana de Caracas y a otros prestigiosos festivales de América y Europa.
Desempeñó la presidencia de la Unión de Compositores de la Argentina. Es actualmente presidente de la Asociación Argentina de Compositores, miembro de la Sociedad Internacional de Musicología (con sede en Suiza) e integrante del Senado Académico del Centro Internacional de Estudios Musicales de Roma. Se ha desempeñado como miembro en jurados nacionales y extranjeros.
Como pedagogo, ocupa en la actualidad las cátedras de composición, instrumentación e Historia de la Música en el Conservatorio Nacional, y la cátedra de composición en el Conservatorio Municipal. Es, además, crítico musical del diario "La Nación". Ha dictado conferencias en importantes instituciones del país y sus artículos son publicados en revistas nacionales y extranjeras. Su vasta producción ha merecido premios, entre los que se destacan los otorgados por la Comisión Nacional de Cultura (1937-1939), Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires (1936- 1940-1941-1942 y 1943) y Asociación Wagneriana de Buenos Aires (1951). Su produción abarca todos los géneros. Entre ella, se destacan: el mimodrama Usher (sobre un cuento de Poe); el ballet Harrild; las cantatas Moriana, Márin y El Tamarit; tres Sinfonias; un Concierto para Piano y Orquesta; Tres Pinturas de Paul Klee; un Divertimento para Quinteto de Vientos; las Pin- turas Negras de Goya; las Variaciones Apolineas para piano; cinco Sonatas para este instrumento, y música incidental para numerosas películas.
El Cuarteto Nr. 1 para Arcos, Op. 19 (ganador del Premio Carlos López Buchardo, instituido por la Asociación Wagneriana de Buenos Aires) fue compuesto durante 1951 y dado a conocer en octubre del año siguiente. En esa oportunidad lo ejecutó el Cuarteto de dicha asociación.
De esencia fundamentalmente diatónica y modal, la obra se establece en una especie de Do Mayor, aunque manejado con gran libertad tonal. Comprende cuatro movimientos contrastantes entre sí, aunque trabajados sobre materiales temáticos homogéneos. El primer movimiento (alegro) está elaborado formalmente en base a la oposición de dos elementos: uno estático, a la manera de un coral con marcado predominio del intervalo de séptima; el otro de tipo melódico y dinámico en expansión. Esta oposición otorga al movimiento el aspecto de un rondo, aunque el elemento dinámico se asemeja a una sección de desarrollo de sonata. El segundo tiempo es un scherzo ternario, con su correspondiente trio, en el que el juego instrumental alcanza mavor importancia. El lento (siciliana) conforma la parte más expresiva e introspectiva de la obra. Está elaborado en base al ritmo de danza homónimo, y es precedido por una amplia frase tratada a la manera de coral para entrar luego en amplios desarrollos melódicos de esencia contrapuntística. El último movimiento: ricercare-coral adopta disposiciones fugadas. El sujeto deriva del motivo inicial de la obra. Comprende tres divertimientos (que alternan con las exposiciones del tema) realizados sobre materiales temáticos de los tiempos anteriores. En el coral reaparece el tema principal de la obra en disposición más amplia y sonora.
ALICIA TERZIAN:
Nació en la ciudad de Córdoba (Argentina). Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música, de donde egresó en 1958. Su labor es intensa tanto en el campo de la creación como en el de la musicología. Este último aspecto se ha concretado en múltiples conferencias dictadas en nuestro país y en el extranjero. Es profesora de la Escuela Superior de Arte de la Universidad Nacional de La Plata, del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y del Conservatorio Nacional. Además, es Secretaria del Comité Consultivo de la Sociedad Internacional de Musicologia (Suiza) y miembro de la "American Musicological Society". Pertenece, además, al Consejo Argentino de la Música (CIM-UNESCO). Ha sido jurado en diversos concursos nacionales y municipales. Su catálogo abarca obras de distintos géneros entre las que se destacan los Tres Retratos y las Canciones para Niños (ambas para voz y piano); Toccatta, Danza Criolla y Rondas Infantiles (para piano) y los Movimientos Contrastantes (para orquesta).
Las Tres Piezas para Cuarteto de Arcos basadas en motivos folklóricos armenios, fueron escritas en 1955, y estrenadas ese mismo año en la Asociación Wagneriana por el Cuarteto de la entidad. Se caracterizan por el empleo del microtonalismo tanto en el aspecto lineal como en el armónico, logrando ambiente y clima muy sugestivos. Canción del Atardecer (primera de ellas) está elaborada en forma tripartita, con un pasaje breve de tipo escalar confiado al primer violín y que sirve de introducción y coda, otorgando a la obra un neto carácter cíclico. Pastoral con cuatro Variaciones está basada en un tema de esencia trovadoresca expuesto por la viola, quien también concluye el número. La última de las piezas, titulada Danza Rustica, está escrita en forma de rondó con cinco partes. Se expresa en el desarrollo de un ritmo vital con un crecimiento paulatino para desembocar en una coda final muy brillante.
LUIS ZUBILLAGA:
Nació en 1928 en Buenos Aires, donde realizó sus primeros estudios de armonía y contrapunto. En 1955 se vincula con el maestro Juan Carlos Paz, con quien estudia composición, Cinco años más tarde se traslada a Caracas (Venezuela) en donde permanece hasta 1964. Allí desarrolla una amplia labor como conferencista y como docente en el Instituto Pedagógico Experimental, en donde ocupa la cátedra de Historia de la Música, y en el Instituto de Arte Contemporáneo de Caracas a través de la cátedra de composición. También desarrolló esta materia en la Escuela Superior de Música de Tucumán (Argentina). Desde comienzos de 1968 es miembro de la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires.
Sus obras han sido ejecutadas en nuestro país y en el extranjero, siendo las más importantes: Haiku y Paisajes en Fluctuación (ambas para piano, compuestas en 1961); Escenas, para cinco instrumentos (1962); Música para Diez Instrumentos (1963); Tres Piezas para Dos Pianos (1965); No Música para No Alguien (para conjunto de cámara) y Direccionales para Cuarteto de Arcos (1966).
Esta última obra fue realizada en Tucumán, y estrenada dos años después de haber sido finalizada en uno de los habituales con- ciertos de la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires por el Cuarteto Contemporáneo. Direccionales es una composición concebida en un único movimiento dividido en secciones, caracterizadas por tempi diferenciados. Estos tempi son determinados por tres tipos distintos de velocidades de ejecución. El plan formal de la obra responde al del tradicional rondó. Es decir: estructuras caracterizadas y diferenciadas que se suceden las unas a las otras de manera recurrente, aunque con una dirección marcada (de allí el título de la obra) que se manifiesta en la utilización de glissandi cada vez más numerosos al promediar la composición. Estos glissandi dirigen el movimiento hacia las estructuras lentas de marcado carácter armónico, las que pasan a dominar en el final, resolviendo así las tensiones creadas por las rápidas e imprevistas alternancias de las restantes secciones caracterizadas.
CUARTETO CONTEMPORANEO:
Es una agrupación dedicada a la difusión de la música de cámara de este siglo. Su repertorio es amplio y está formado por manifestaciones actuales del género. Ha dado a conocer en primeras audiciones obras de Penderecki, Gorecki, Nelly Moretto, Tejeda, Zubillaga, y tiene en preparación otras entre las que se encuentra el Cuarteto para Arcos de Rodolfo Arizaga, especialmente escrito para este conjunto. Son sus integrantes: Roberto Sawiki y Bernardo Stalman (violines); Simón Sitonik (viola) y Liborio Rosa (violoncello) todos ellos instrumentistas de relevante actuación tanto en organismos sinfónicos como en agrupaciones de cámara. Su director, Enrique Belloc es un compositor nacido en Buenos Aires en 1936. Actúa en las vanguardias musicales y sus obras han sido ejecutadas en América y Europa.

En esta Serie documental, se agrupan los ejemplares de discos de vinilo que fueran donados por Daniel Eduardo Nápoli, con interpretaciones de la obra de Wolfgang Amadeus Mozart.